Art Ensemble Of Chicago: «Les Stances à Sophie»
Un álbum que rechaza cualquier tipo de convencionalismo musical, si bien es cierto que es su trabajo más accesible de las décadas 60 y 70.
Soul Jazz Records ha reeditado por primera vez en DVD «Les Stances a Sophie», la película a la que The Art Ensemble Of Chicago (AEOC) pusieron música en 1970. A pesar de tratarse de una celebrada banda sonora, la película ha permanecido en la sombra del olvido durante más de 30 años. Para celebrar su lanzamiento, el sello inglés ha reeditado el CD en formato deluxe y ha vuelto a poner en el mercado el LP en una edición limitada a 1000 copias, cuya 191 ya reside en mi armario 🙂
«Les Stances a Sophie» es una película de Moshe Mizrahi basada en la novela homónima de Christiane Rochefort y estrenada en París en 1970. Fueron pocos los que pudieron verla proyectada ya que tres semanas después de su estreno fue retirada de las salas debido a que su productora entró en bancarrota.
La película fue calificada como la primera película feminista de la historia del cine, pero ha sido recordada básicamente por su excepcional banda sonora. El director conoció en París a AEOC y les propuso ocuparse de la música. El grupo debía volver a Estados Unidos antes del rodaje pero aún así aceptaron involucrarse en el proyecto. La música fue grabada antes de la filmación pero Mizrahi consiguió recoger una actuación de la banda para ser incluída en la película.
Art Ensemble Of Chicago en París
A finales de los años 60 bastantes músicos americanos viajaron a Europa para grabar discos y participar en diversos festivales. Debido a la buena acogida que les brindaron, algunos alargarían su estancia convirtiendo París en el principal nucleo jazzístico fuera de Estados Unidos. El clamor liberal de músicos como Anthony Braxton, Don Cherry o Archie Shepp encajaba con el ambiente revolucionario que se respiraba en la capital francesa durante esos años. Sellos como Actuel o BYG proporcionaron a los músicos una libertad creativa que a menudo se les negaba en su país de origen. Sin ir más lejos, Art Ensemble of Chicago consiguieron un reconocimiento superior al que habían alcanzado hasta la fecha.
Invitados al festival que organizaba la discográfica BYG, la formación de Chicado llegó a la capital francesa en 1969 y allí permanecieron durante tres años. De esta ciudad surgieron un puñado de discos interesantes. Fue un periodo muy fructífero en el que grabaron material suficiente para completar 14 álbums. “Message to our folks” o “People in Sorrow” son algunas de las primeras obras destacables de la banda efectuadas en París. Durante la década de los 70 los músicos se encuentran en su momento más feroz y dejan en parís unos trabajos llenos de fuerza y vitalidad. Su tributo a los diferentes estilos de música negra a modo de collage, pero impregnado de un fuerte espíritu revolucionario heredado del círculo de la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM), se convertirá en la principal característica de la banda. AEOC establecerá un punto de encuentro con el pasado musical del pueblo negro a través de una indomable vanguardia.
El aclamado “Les Stances A Sophie” fue registrado en 1970. Como el resto de trabajos de la formación, es un álbum que rechaza cualquier tipo de convencionalismo musical, si bien es cierto que es su trabajo más accesible de las décadas 60 y 70. Muchos críticos lo han considerado su obra maestra y uno de los álbums de jazz más importantes del siglo XX. El musicólogo Piero Scaruffi lo sitúa en el número 10 de su ránking The Best Jazz Àlbums of all Times.
Se grabó el 22 de julio de 1970 en los estudios Pathe Marconi de la vila francesa de Bolougne Billancourt. Fue publicado en Europa por EMI France y distribuido en Estados Unidos por Nessa Records. Las copias de ambos sellos se agotaron y durante años solo podía encontrarse en el mercado de segunda mano a precios desorbitados. Universal Sound, división del sello inglés Soul Jazz Records, lo reeditó en el año 2000 en CD y vinilo. Además en el 2002 EMI lo ha reeditado compartiendo volumen con el álbum “People in Sorrow” del 1969, bajo el nombre de “The Pathe Sessions”, dentro de la colección “Americans Swinging in Paris”. Una cosa que sorprende de esta última edición es que salen listadas dos piezas en el listado de canciones que después no aparecen en el CD. Se trata de la tercera parte de “Variations Sur Un Theme De Monteverdi» y «Proverbs”. El productor Chuck Nelsa nos respondió sobre esta cuestión afirmando que sencillamente se trata de un error de imprenta. Él es quien conserva las copias de los másters originales y desgraciadamente estas composiciones no existen. No obstante, Lester Bowie, trompetista de la banda, afirma que grabaron unas cuantas versiones más de “Proverbes” que EMI no ha podido encontrar. Parece ser que la primera edición que se publicó en formato CD fue una edición de EMI France de la serie “Jazztime”. Según Nelsa, EMI perdió las grabaciones originales y las tres ediciones han sido realizadas a partir de copias en vinilo.
Cuando llegaron a París AEOC era un cuarteto y volvieron a casa con el percusionista Don Moye como quinto componente. De esta manera Moye llenó la vacante que había dejado Philip Wilson dos años atrás. El nuevo miembro había tocado con músicos como Steve Lazy o Pharoah Sanders y había llegado a París con la banda de Charles Moore. Había vuelto recientemente de un viage a París cargado de instrumentos percusivos. Encajó perfectamente con el estilo del grupo y contribuyó notablemente en las recreaciones de rituales africanos habituales de la banda.
De hecho AEOC se encontraba todavía en el momento de gestación. Los saxofonistas Roscoe Mitchell y Joseph Jarman y el bajista Malachi Favors se conocían desde que estudiaban música clásica en el Wilson Junior College de Chicago a principios de los años 60, pero hacía poco tiempo que tocaban bajo tal denominación. Estos tres músicos formaron parte de la Roscoe Mitchell Art Ensemble y fueron miembros del colectivo AACM formado por músicos como Muhal Richard Abrams. En 1966 Lester Bowie llegó a Chicago acompañado de su mujer Fontella Bass después de una gira con orquestas de rhythm and blues y participó en una jam session de la AACM. Al finalizar Bowie exclamaría: “Nunca en la vida he estado con tanto enfermo dentro de una misma habitación”. Poco después de estas palabras se convertiría en el trompetista de la banda de Roscoe Mitchell. Parece ser que éste no podía hacerse cargo de todos los gastos y decidieron rebautizar a la banda con un nombre más democrático.
La otra novedad que presenta este disco es la participación de la cantante de soul y gospel Fontella Bass. Hija de Martha Bass y ex esposa de Lester Bowie, obtuvo un gran éxito en los 60 con singles como el famoso “Rescue Me” o “Recovery”. Dotada de una poderosa voz y con una excelente habilidad para el canto, se integró a la reciente formación y aportó una cálida proximidad que permetía a los músicos ampliar el abanico de referencias hacia el pueblo africano. Además del disco del que aquí nos ocupamos, es menester mencionar la reciente aparición de unas grabaciones de la banda con la cantante efectuadas un mes después de “Les Stances a Sophie” y ahora publicadas en la colección Free America del sello America Records. Éstas son suficientemente interesantes para descubrir la riqueza de posibilidades que ofrecían estas colaboraciones. Durante los años 70 y 80 Bass combinó sus actuaciones en solitario con las de AEOC. Otras bandas importantes de la década de los 70 como la World Saxophone Quartet también han podido contar con la cantante en discos como “Breath of Life”.
El disco canción a canción
Fontella Bass es quien entona la espectacular voz en “Theme De Yoyo”, el primero de los ocho temas que componen esta banda sonora. Para decribir la canción nor servirán las palabras de Brian Olewnick: “una sorprendente pieza que ha conseguido el legendario estatus de mejor fusión de funk y jazz vanguardista jamás grabada”. Y así es (matizando que quizás no es exactamente funk lo que se está fusionando). Lo que parece una pieza de soul, construida mediante una melódica frase sencilla y acompañada por una linea de bajo rítmica y contagiosa, da lugar a una explosión frenética de instrumentación diversa que siempre sorprende al oyente que la escucha por primera vez. Pocas veces las estridencias y disonancies del jazz libre han captado la atención de una audiencia tan numerosa. Gracias a esta pieza las armonías del free jazz consiguen salir de su habitual y reducido circuito de seguidores. La composición es excepcional tanto para los amantes del soul com para los del free jazz, aunque AEOC nos muestra con ella que estas músicas comparten una misma procedencia negra. Puede tratarse de una reivindicación cultural del espíritu africano que hay bajo estas músicas así como un grito a la unidad. Si por un lado es una canción de gran belleza gracias a la voz de Fontella Bass, las desordenadas improvisaciones aportan la energía necesaria servida en la dosis justa.
Las letras de la canción nos hablan de un amor pasional vivido en primera persona. Frases llenas de erotismo como “Your body’s like a camembert, oozing from its skin” rozan el absurdo. Como se trataba de una película francesa la canción hace muchas referencias: Camembert, Seine, o Champs Elisees. El autor de las letras es Noreen Beasley, quien también incluyó este tema en la película de animación “Sexes» que él mismo dirigió. Beasley afirma que Fontella Bass modificó una palabra. Las originales decían “Your voice is like a long fart, that’s music to your brain” y Bass substituyó fart por fuck.
«Theme de Yoyo» suena en un local nocturno en el que los protagonistas acuden para bailar. Celine y su amiga Julia se lo pasan bien en la pista flirteando con otros hombres mientras sus maridos se las miran con recelo.
El argumento de la película resulta imprescindible para la correcta interpretación de su banda sonora. Se tracta de una tragicomedia que habla del conflicto entre la libertad individual de una mujer respecto a la submisión matrimonial. La protagonista de esta historia es una mujer liberal llamada Celine. Se casa con Philippe pero pronto vivirá una situación de frustración debido a la falta de comprensión de su marido. Celine luchará por la desigualdad de géneros hasta deligarse de la claustrofóbica vida que el matrimonio le ofrece.
El segundo tema del disco se llama precisamente “Theme de Celine”. Es una pieza que funciona como leitmotiv y que podríamos interpretar como una descripción de la personalidad de la protagonista. Celine sería retratada a través de una melodía sencilla y alegre que da lugar a una serie de improvisaciones. Éstas representarían la desobediencia que se esconde bajo su dulce personalidad. Además de la trompeta de Lester Bowie, cuatro tipos de saxo se alternan y resulta difícil atribuir a qué músicos pertenecen. Roscoe Mitchell toca el soprano, el alto y el saxo bajo, Joseph Jarman toca el soprano y el alto mientras Bowie toca la trompeta y el flugelhorn.
Con las “Variations Sur Un Theme De Monteverdi” llegamos a uno de los momentos más emocionantes del disco, probable consecuencia de la formación clásica de algunos miembros de AEOC. Claudio Monteverdi es un madrigalista italiano decisivo para entender la transición de las polifonías renacentistas hacia las composiciones melódicas modernas. Las variaciones concretamente se recrean con la popular “Lasciatemi morire”, único fragmento que nos ha llegado de la ópera “Ariadna” de Monteverdi, escrita a principios del siglo XVII. Después de haber ayudado a Teseo a vencer al Minotauro, éste abandona a la joven en una playa de Naxos. Ella se lanza al mar cuando ve que la nave de su amante se aleja pero es rescatada por unos pescadores. A ellos se dirige con este lamento:
Lasciatemi morire (Dejadme morir)
¿E di volete voi de mi conforte? (¿Pretendéis que me conforte?)
Te cose duri sorte (En esta suerte tan dura)
Te cose gran martiro (En este gran martirio)
Es una canción trágica que nos describe el dolor y la desesperación de una mujer abandonada. Podemos relacionarla con el argumento de “Les Stances a Sophie”. La falta de comprensión de Philippe hacen que en cierta manera Celine pueda identificarse con el dolor de Ariadna. No es un coro, sino las flautas de Roscoe Michell y Joseph Jarman junto a la trompeta de Lester Bowie las que lloran la pérdida del querido. En su primera variación el contrabajo de Malachi Favors incrementa la desolación con su arco en staccato. Suenan los little instruments tan característicos de la banda.
Hay un cierto paralelismo entre la música polifónica antigua y el free jazz. La superposición de voces propiciada por la improvisación (también presente en el jazz tradicional) es característica en este tipo de jazz. Aunque la música polifónica sigue unos parámetros muy rígidos y contrarios a la interpretación libre, podríamos encontrar una lógica atracción de los jazzmen hacia ella.
La segunda variación del tema de Monteverdi no es tan melancólica. Contiene un swingingque recuerda las celebraciones fúnebres del jazz tradicional. Una vez enterrado el féretro, las bandas de jazz primitivas cambiaban de tono y la música pasaba a ser jovial y alegre. Aquí no toma un giro tan radical pero hay un evidente contraste emotivo respecto a la primera parte. De hecho el free jazz de bandas como AEOC o Sun Ra Arkestra en su afán por reivindicar sus raices negras, han recuperado parte de ese tono festivo del primer jazz. La actitud cómica de los músicos desaparecida con el bebop y el cool se encuentra presente en algunas actuaciones de éstos.
También está dividida en 2 partes “Proverbes” a pesar de estar separadas en la edición de Soul Jazz Records. El saxo tenor de Joseph Jarman entona una emotiva melodía complementada con la trompeta de Bowie. El tono recuerda a la espiritualidad de John Coltrane cuando a mediados de la década de los 60 compuso piezas magníficas como “Psalm” o “Serenity”. Fontella Bass vuelve a colaborar en estas dos partes, esta vez con voz y piano. Este último instrumento es poco habitual en AEOC y sus escalas ascendentes acentuan aquí el recuerdo de McCoy Tyner y Coltrane.
Poca cosa tienen en común las dos partes de “Proverbes” exceptuando el piano de Bass y la belleza de ambas. La primera parte es más melódica y la segona más libre, y por lo tanto más cercana al estilo habitual de AEOC. Son composiciones cortas pero intensas que aportan variedad al disco e se interrelacionan muy bien con el resto de canciones.
“Theme Amour Universal” es una pieza con matices orientales que recuerda la música que practicaron minimalistas contemporaneos como Terry Riley o La Monte Young, los cuales a su vez se inspiraron en la música india que importaron a Estados Unidos músicos como Pandit Pran Nath. Probablemente la banda absorbió modelos orientales en boga directamente sin tener en cuenta el trabajo de Riley, pero no deja de sorprender su paralelismo con composiciones como “In C” o “Persian Surgery”.
Flautas, sopranos, contrabajo fregado y recitaciones vocales aparecen sin ningún orden aparente. La polifonía vuelve a estar presente creando unas melodías hipnóticas que nos remiten a tierras exóticas. La pieza abre la película y nos situa en una fiesta hippie en la que Céline y sus amigos se lo pasan en grande consumiendo drogas y practicando el amor libre ante la mirada de Philippe.
Nos queda por revisar “Theme Libre”. El título es suficientemente descriptivo en cuanto al tipo de composición. Hallamos aquí a la AEOC en estado puro jugando en propio campo. Es la segunda pieza más larga junto a “Theme de Yoyo”. Aquí entran en juego más que en ninguna otra los little instruments percutivos. Hay momentos en que encontramos el “Theme de Celine” desfigurado. Este hecho nos lleva a relacionar estos dos temas y a su protagonista. El espíritu liberal de la protagonista antes mencionado descarga con total desobediencia en esta pieza. Suena un vibráfono que no aparece en los créditos y que suponemos que sale de las manos de Malachi Favors. Destacamos aquí el trabajo de Lester Bowie, que demuestra ser uno de los mejores trompetistas de free jazz por su habilidad en trasladar las técnicas tímbricas del saxo a su instrumento.
La diversidad musical de esta gran obra dificulta su catalogación. Contiene géneros tan diversos com el soul, la música clásica y la música oriental. Deberíamos tener presente las opiniones de la banda respecto al término jazz. En 1974, después de la publicación del disco “Fanfare for the Warriors”, algunos de los miembros de AEOC fueron entrevistados por la revista francesa Jazz Magazine. Aquí pudo leerse a Lester Bowie exclamando: “Cuando hablamos de la música que tocamos, nunca decimos jazz. Jazz significa algo feo (…) Todos los críticos dicen que adoran la música negra, todos los Dan Morgensten… pero nunca hablan de Great Black Music (…) Sin embargo de eso se trata, es grande, es negra y es música”. Esta sentencia está en consonancia con lo que decía Archie Shepp en aquellos mismos años : “Si continuamos llamando a nuestra música jazz, deberíamos continuar llamándonos niggers”. Los músicos protestaban así contra la explotación a la que losjazzmen habían estado sometidos. También se quejaban de que lo que habían hecho músicos como Beethoven se llamara música y lo lo que ellos tocaban fuera jazz.
Con temas como “Theme de Yoyo” o “Variations sur un Theme de Monteverdi”, el legado de AEOC no tiene data de caducidad para llegar a nuestros oídos con un sonido tan innovador como el del primer dia. Con este álbum, la música de la banda recorre geografías y períodos históricos para convertirse en un estamento del universal sound.