Eberhard Kranemann y "NEU! 72 live - non-public test"

Tal y como anunciamos, Grønland Records acaba de publicar el catálogo completo de Neu! en una exquisita edición limitada en vinilo. Lo más destacado de esta publicación es la inclusión del álbum "Neu! 86" y del Ep "Neu! '72 Live in Dusseldorf", dos rarezas que hasta ahora han circulado de manera no oficial a través del sello japonés Captain Trip Records, y sin el consentimiento de Michael Rother. Este última referencia ha sido rebautizada como "NEU! '72 non-public test" porque no es exactamente un directo, sino la grabación de los ensayos del dúo de Dusseldorf junto al multiinstrumentista Eberhard Kranemann para llevar a los escenarios su música de estudio en una serie de conciertos que tuvieron lugar durante ese mismo año.

De este polifacético artista hemos encontrado una interesante entrevista que alguien ha publicado en Youtube y que hasta la publicación de este solo han visto 100 personas. Eberhard Kranemann habla de su paso por Kaftwerk, donde tocó la Hawaiian guitar entre 1967 y 1971, y de su porterior relación con Neu!. Estas contribuciones sucedieron después de interesantes proyectos como la formación Pissoff, que tanto gustó a Joseph Beuys. Posteriormente llegarían más iniciativas musicales como su alter ego Fritz Müller y colaboraciones con músicos de la talla de Nurse With Wound o Faust.

En la siguiente entrevista, Eberhard Kranemann improvisa sobre "NEU! '72 non-public test" con la Hawaiian guitar original que utilizó con Kraftwerk y Neu!. Y si no te has hecho con la "Vinyl Box", debes saber que está íntegramente disponible en Spotify.

Cuando las portadas adquieren vida propia

¿Alguna vez has imaginado como sería la animación de tu portada favorita? Pues bien, alguien con mucha imaginación y tiempo como para llevar a cabo la idea ha creado Animated Albums, una web donde algunas de las portadas más conocidas de la música popular adquieren vida propia. Un proyecto que posiblemente haya tenido en el hilarante vídeo producido por Ugly Pictures bajo el título de Album Cover Wars una fuente de inspiración.

La música a 1-bit de Tristan Perich

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El compositor y artista sonoro neoyorquino Tristan Perich presentará en Barcelona "Active Field", una pieza para 10 violines, 10 canales y un circuito 1-bit, para la cual contará con la colaboración de la orquesta local BCN216. La cita tendrá lugar el jueves 17 en el Festival Sónar en su edición Barcelona.

Tomando este evento como excusa, hoy rescatamos uno de los proyectos más notorios del artista. "1-Bit Music" (Cantaloupe, 2008) es un singular álbum-objeto publicado por Cantaloupe Records en el 2008 en una edición limitada de 1.000 copias cuyas existencias fueron agotadas de inmediato. Su particularidad reside en que es una caja de CD que contiene un circuito electrónico que produce una composición del autor de 40 minutos a 1-bit, la más baja representación de audio digital concebible. Se trata de un objeto híbrido entre el álbum musical y el objeto sonoro que puede escucharse a través de una salida de auriculares mini-jack.

Para hacernos a la idea sobre las limitaciones acústicas de esta mínima unidad de datos, recordemos que la mayoría de música electrónica utiliza como mínimo información de 16-bits. Los ordenadores primitivos y consolas como Game Boy utilizaban sonido 8-bits, mientras que el uso de 1-bit suele estar limitado a despertadores u otros electrodomésticos.


Tristan perich actuará en el Sónar 2010

Sun Boxes, una escultura sonora en el desierto de Nevada

Sun Boxes es un intento por crear paisajes sonoros explorando las posibilidades ofrecidas por la naturaleza. Obra del artista Craig Colorusso, la instalación consiste en una veintena de altavoces equipados con placas solares y pequeños loops de guitarras que operan de forma independiente, dispuestos de tal forma con la intención de establecer una percepción nueva del lugar gracias al sonido. El contexto elegido es la ciudad fantasma de Rhyolite (Nevada) y la pieza se desarrolla en función tanto de la cantidad como de la duración y características de la luz natural; con los primeros rayos de sol los sonidos de guitarra se manifiestan a través del inmenso espacio del desierto para detenerse una vez el sol se pone.

"Cosmogramma" de Flying Lotus viene acompañado de una aplicación interactiva

Cosmogramma

Como la importancia de las portadas se ha visto debilitada en los últimos años por la hegemonía del formato digital, resulta interesante fijarse en las iniciativas que llevan a cabo algunos artistas para potenciar la creaciones visuales vinculadas a sus obras. El pasado día 3 de mayo tuvo lugar el lanzamiento oficial de Cosmogramma (Warp), el esperado nuevo álbum de Flying Lotus, y ha llegado acompañada de una aplicación gratuita de "realidad aumentada" (con un muy merecido "entre comillas"). Si descargas "Cosmogramma Fieldlines" apuesto a que interactuarás con él durante un minuto y que inmediatamente lo borrarás de tu disco duro. Pero a falta de objetos terrenales con los que recrear nuestra vista, bienvenido es.

"Cosmogramma Fieldlines" ha sido desarrollado por Aaron Meyers con música de Flying Lotus, y la colaboracion de la arpista Rebekah Raff. Está basado en el artwork de Leigh J. McCloskey.

La caótica percusión de Alberorovesciato

En cierta ocasión –durante una entrevista para Coda magazine– a Han Bennink le preguntaron por su heterodoxo enfoque a la hora de elegir sus instrumentos de percusión y en especial a la caja de pizza utilizada en su dúo con Eugene Chadbourne. A lo que contestó: "ya no necesito una enorme batería, tampoco un kit de campanas, platillos, gongs o mierdas similares. Cualquier cosa de aquí o de allá, una cuerda encontrada en la calle o una caja de cartón de detrás del escenario... Lo más interesante para mí es el sonido y no el instrumento en sí; los sonidos están por todas partes y lo único que varía es su contexto. Cuando toco suelo utilizar las baquetas para que el público escuche la diferencia que hay entre los sonidos de una batería o el de un bote de basura, una caja de pizza, etc... Esa es la idea".

Una idea que tiene en el dúo italiano Alberorovesciato a un claro exponente y que hará las delicias de los entusiastas de la percusión más explosiva con una propuesta tan caótica como acorde al título de su último album: Tigers on Acid in the Hell of the Brushwood. Vía WFMU's Beware of the Blog

Spotify se introduce en las redes sociales

El pasado martes se anunció la versión 0.4.3 del cliente Spotify con una substanciosa lista de novedades que la convierten en la mayor actualización hasta ahora. La más destacada es sin duda su conversión en red social. Con Spotify ya podemos hacer público nuestro perfil, enviar canciones a nuestros amigos a través de un inbox, o consultar y compartir playlists. Para ello la empresa sueca ha utilizado el potencial de Facebook para que los usuarios entren en contacto los unos con otros.

Suena interesante pero en realidad no ofrece nada que no pudiéramos hacer anteriormente con un par de clics de más. La buena utilización de las redes sociales nos aportan muchas ventajas, pero su abuso puede resultar un estorbo. Así que habrá que esperar para ver si realmente vamos a sacarle provecho a todo esto o simplemente va a funcionar para que Spotify pueda pescar nuevos clientes a través de la difusión viral.

Si hasta ahora la hegemonía de iTunes era la principal afectada por la gran aceptación que ha tenido Spotify, ahora es Last.fm quien también podría verse dañada. Esta nueva versión supone un gigantesco paso hacia el uso social de la plataforma musical e indica una gran voluntad de expandirse hacia estos lares. El programa de Apple también recibe otro golpe debido debido a que Spotify 0.4.3 permite importar y reproducir los ficheros musicales de nuestro ordenador. Por lo tanto, la molestia de tener abiertos dos reproductores podría desaparecer próximamente para decantarnos exclusivamente por el más completo de los dos, es decir, Spotify.

Con todo esto se le han visto los colmillos al lobo, pero no la dentadura. Estas novedades son un primer movimiento hacia unos ambiciosos objetivos que a largo plazo pueden condicionar seriamente nuestra usabilidad. Las opciones que nos ofrecen todavía son muy limitadas y por ahora no será necesario jubilar nuestro iTunes ni prescindir de Last.fm. Antes de seguir innovando, les animaría a perfeccionar las funcionalidades existentes. Seguimos echando en falta poder organizar mejor nuestros playlists.

Se anuncia la publicación de material inédito de Neu! y la remasterización de su discografía

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El dúo formado en 1971 por los ex-Kraftwerk Michael Rother (guitarra) y Klaus Dinger (batería) apenas publicó tres álbums. Aun así, el legado que dejó la banda de Düsseldorf puede considerarse como una de las referencias más importantes no sólo del Krautrock sino de la historia de la música. Una herencia que cuatro décadas más tarde vuelve a estar de actualidad gracias a la publicación el próximo 10 de mayo de "NEU! Vinyl Box". Se trata de una edición limitada que publica Grønland con una cuidada retrospectiva del trabajo de Neu!.

La caja incluye los tres álbumes de estudio del dúo – Neu!, Neu! 2, y Neu! 75 – así como un disco inédito "Neu! 86", grabado originalmente entre 1985 y 1986 y remasterizado para la ocasión por el propio Rother. Otra pieza inédita contenida en la caja es la composición de 18 minutos registrada en directo y que verá la luz por vez primera en formato maxi-single con el título de "Neu! 72". Además de los vinilos el pack tendrá un código que permitirá la descarga directa en formato digital del todo el contenido, un libro de 36 páginas con artículos y reportajes fotográficos de Anton Corbijn y Peter Lindbergh, una camiseta y una colección de pegatinas con logotipos de la banda.

James Leyland Kirby en el Espacio Cultural Caja Madrid (Barcelona, 23/IV/2010)

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Conociendo los proyectos a presentar de James Keyland Kirby y siendo advertidos de su previo espectáculo en Madrid, no esperábamos de su concierto en Barcelona más que a un personaje políticamente incorrecto que se limitaría a ejecutar un playlist desde su laptop acompañado de Jorge Ballarin como responsable de las visuales. Y así fue, un Kirby con atuendos a lo Martin Rev nos introdujo en su obra memorística confesando que no recordaba, paradójicamente, nada de lo acontecido durante la última semana debido al abuso de alcohol, e invitando al personal a dar continuidad al desmadre una vez terminado el ¿directo?. Ciértamente la única interpretación instrumental de este exéntrico autor fue darle al play a una lista de canciones pertenecientes a los álbumes de The Caretaker y Leyland Kirby, Teniendo en cuenta que éstos son proyectos con escasos pasajes vocales, nos sorprendió cantando una canción con el habitual filtro de voz estropeado de V/Vm, firma desde la cual pervertió en su día un sinfín de hits poperos como el célebre "Lady in Red" o el irritable "Forever Young".

El concierto consistió en la reproducción de seis o siete temas largos con iTunes u otro software similar, algunos más acordes con The Caretaker y otros con Leyland Kirby, aunque no resulte clara su delimitación. Paisajes urbanos entremezclados con fotografías autobiográficas — que para nuestro infortunio se repetían una y otra vez — como interpretación visual de su evocación a la memoria, la suya en concreto. La misteriosa belleza de estos nostálgicos mashups requieren una cierta sensibilidad que se veía contrastada con la actitud de rockstar que profesaba el resacoso músico, acentuada con sus enormes gafas de espejo y su camiseta plateada de spantex. Explicado así no resulta muy atractivo, pero al que escribe el show le resultó suficientemente interesante.

A la salida algunos asistentes se sentían indignados por la falta de música en directo. Pero eso es pedirle peras al olmo. La propia naturaleza del computerized ambient releva a un segundo plano la interpretación en directo. Así que poco importa si estamos escuchando un CD o la mezcla a tiempo real de pistas pregrabadas. Al fin y al cabo el aura presencial del artista y la predisposición receptiva del público es lo que conforman la experiencia musical del directo. La tradición conciertística nos conduce a mirar hacia el artista y exigirle que suceda algo en ese instante y de manera irrepetible. Pero este comportamiento en la música hecha con ordenador sólo provoca frustración en el espectador, por muy buenas que sean las visuales. Este instrumento musical todavía tiene pendiente que nos desvinculemos de esa actitud heredada de otros géneros para los que sí resulta adecuada. Apuesto a que Kirby sabe que lo que más molesta es que nos engañen y no trató de disimular su inactividad Sentado en una mesa con la cabeza reposando sobre su mano y observando las proyecciones como un espectador más, el músico parecía indicarnos que sus directos pueden resultar absurdos si olvidamos que sirven para generar una situación a la que acudimos para prestar atención a cierta música durante un cierto tiempo, y en donde nuestra predisposición a la receptividad es superior a la de nuestros hogares.

Music For Real Airports (2010)

Corría el año 1975 cuando Brian Eno –estando en el aeropuerto de Colonia– concibió su célebre "Music for the Airports", trabajo seminal que a la postre se convertiría en el origen del ambient. Al parecer en aquel espacio arquitectónico se preguntó qué tipo de música debía ser reproducida para no pertubar el sonido del entorno, una suerte de amalgama sonora que armonizase los distintos ruidos de todos los ambientes allí creados. Cuarenta años después se presenta "Music For Real Airports", un proyecto que bien podría considerarse la continuación de la obra de Eno, al menos al intentar convertir los aeropuertos en referentes claros de lo que se conoce como no lugares. Es decir, aquellos lugares de transitoriedad que no tienen suficiente importancia para ser considerados como lugares.

Durante tres años la banda The Black Dog realizó 200 horas de grabaciones en distintos aeropuertos. De esta cantidad de contenido sonoro y de la colaboración con el artista visual Human surge un proyecto que intenta hacer de todos los ruidos un todo y con ello examinar la naturaleza de los aeropuertos. "Music for Real Airports" se inauguró el pasado 24 de abril de 2010, en la Galería de Arte Millenium de Sheffield.

Descarga gratis el primer álbum de Fiera, alter ego de Pony Bravo

Fiera

Fiera es un interesante proyecto liderado por Pablo Peña, bajista de los sevillanos Pony Bravo, y compuesto por los mismos integrantes de su otra formación. Si tuviéramos que elegir un género para etiquetar este álbum en nuestro iTunes, probablemente la más acertada sería post punk. Así también lo han creído ellos, y citan como influencias directas bandas como The Fall, PIL, Suicide, Liquid Liquid, Pere Ubu o Palais Schaumburg, y grupos nacionales como Derribos Arias y Parálisis Permanente. También se percibe el rastro de Einsturzende Neubaten en los instrumentos que conforman el sonido de Fiera, entre los cuales podemos escuchar aspiradoras, tubos de PVC o placas de chapa.

La primera presentación de Fiera tuvo lugar en Sevilla en agosto de 2008, donde el público pudo oír las primeras versiones de las canciones de Pablo Peña, cantante, bajista y autor principal del proyecto. Tras 3 años de preparación, Fiera lanza su primer LP, grabado por Raúl Pérez en su estudio La Mina. “Déjese llevar” (2010) ha sido editado por El Rancho Casa de Discos, empresa formada por los componentes de Pony Bravo para gestionar sus actividades. Al igual que el resto de material producido por El Rancho, “Déjese llevar”, está editado bajo una licencia Creative Commons y disponible para descarga de forma gratuita en la web del grupo.

La narración del tiempo en clave musical

¿Puede narrarse el tiempo, el tiempo en sí mismo, por sí mismo y como tal? No, eso sería en verdad una empresa absurda. Una narración en la que se dijera: "El tiempo transcurría, se esfumaba, el tiempo fluía" y así sucesivamente... Ningún hombre en sano juicio consideraría algo así como un relato. Sería, poco más o menos, como si se pretendiese mantener febrilmente una única nota, o un único acorde durante una hora y eso se hiciera pasar por música. La narración se parece a la música en que se desarrolla en el tiempo, "llena el tiempo de elementos con sentido", lo "subdivide" y con ello crea la sensación de que "pasa algo".

Texto: "La montaña mágica", Thomas Mann. Capitulo VII, Un paseo a la orilla del mar.
Música: "Quattro Pezzi"(1959), Giacinto Scelsi. Primo e Secondo Movimento. Vienna Radio Symphony Orchestra diretta da Peter Rundel.

Nike+ Free Run y el breakbeat de Hifana

Aunque no lo parezca, lo que sigue es una actuación en directo del dúo japonés de breakbeat Hifana. Forma parte de la campaña ideada por la agencia Wieden Kennedy para promocionar las nuevas Nike+ Free Run y sus innovadores y flexibles materiales. Para llevar a cabo el experimento han precisado la colaboración de Tomoaki Yanagisawa en el desarrollo de un hardware que conecta (mediante membranas flexibles) las zapatillas con la programacion y el diseño de sonido de Daito Manabe.

La música del luto

La semana negra. En estas páginas llevamos informando sobre las muertes desde la semana pasada (McLaren, Reid) y ahora el accidente trágico en Polonia. Los que atestiguamos esa catástrofe, sin duda enorme y dolorosa, podemos también observar unos fenómenos culturales insólitos. Como parte de las exequias, los medios de comunicación en Polonia celebran su “luto nacional”, de facto, oficialmente declarado por el presidente en funciones. La ley precisa las formas institucionales de esta situación extraordinaria, aunque no detalle las formas del comportamiento, ni de estética de duelo tras la muerte de decenas de políticos y cargos estatales. Ante este vacío, los ciudadanos, como siempre, “espontáneamente” interpretan lo ocurrido. O más bien debemos decir que durante el luto son los medios de comunicación que deciden sobre los colores, matices, ademanes y – como no – tonos musicales.

Y la música del luto es...clásica. Según la radio nacional que en los primeros días del shock tras la catástrofe, se limitaba a poner las condolencias separadas por las marchas fúnebres en un constante loop, las inmortalizadas obras “mortales” de Albinioni, Chopin, Mozart...De pronto hay un solo réquiem, un solo nocturno, un solo adagio. Los cinco canales, normalmente con programación musical muy delimitada y diversificada – desde Ricky Martin en la 1, Pearl Jam en la 3 hasta Jordi Savall en la 2 – de repente pierden su capacidad de distinción, selección, sintonización y proyección. El tono exclusivo es solemne, patriótico, austero y sobre todo lento, porque a ninguno de los programadores le cabe en la cabeza que el ritmo de las canciones/piezas podría ser más que moderatoestos días. Las emociones del pueblo deben encauzarse en la “reflexión, silencio y memoria”. Más fuerte que nunca oímos el desgarrado romanticismo en exclusiva para la banda sonora de la tristeza nacional, aunque de la programación normal haya sido casi desterrado, salvo las radios especializadas “clásicas”.

Días después el ambiente social empieza a corromperse. ¡Y la música también! La crispación del pueblo alrededor del entierro del fallecido presidente (se merece o no el panteón nacional) parece abrir las heridas y antiguas antipatías. Las radios más comerciales “se atreven” con las pálidas baladas de Madonna (“Bedtime Stories”), el llanto ñoño de George Michael “I’m Never Gonna Dance Again”, las confesiones de corazones adolescentes “It Must Have Been Love” de Roxette o incluso recuerdan los antiguos hits de Marillion “Kayleigh, is it too late too say I’m sorry”…Los éxitos consagrados pop, nada de novedades. Como si la muerte nos hiciera viajar en los tiempos. La radio nacional 3, antes más “indie”, ahora pone “el grupo más triste del mundo” – Radiohead intercambiándolo con Sting o...Simply Red . La radio 2 vuelve a su afición de música antigua, pero solo en clave ars sacra.

A la pérdida de personas habrá que añadir la pérdida de amor por la música. Falta lenguaje para describir tanta desgracia, ¿pero que falte lenguaje musical para acompañar este acontecimiento? La política del luto refleja la moderna incapacidad de percepción de la música de forma integrada, sin “alta”, “baja”, “clásica” o “folk”. En tiempos de crisis como ésta la vuelta al siglo XIX parece ser la única consolación a las almas en pena. O más bien su exasperación.

Los clichés, las etiquetas y la pauperización de la estética contemporánea llegan a triunfar a pesar de numerosas despedidas que fueron anunciadas a lo largo de las últimas décadas a estas exclusiones, clasificaciones y encierros de antaño. El puritanismo eclesiástico se impone irremediablemente y poco podemos hacer, incitados por las voces mediáticas para bajar las cabezas y echarnos cenizas. Junto con la cancelación de todos los conciertos, obras de teatro y películas en cine durante esta semana negra, la sociedad en luto se niega a sí misma experimentar una katharsis, encerrando sus sentimientos en una jaula romántica. Ya no conviene el jazz que tantísima carga emocional tiene precisamente en el país polaco, tampoco podemos expresar nuestras emociones más fuertes con rock... ¿Acaso ante la muerte no sentimos más que solemnidad a tempo moderato? ¿Es verdaderamente la música puramente estética y cuando hace falta condecorar la muerte con unos sonidos, los únicos predestinados a esta tarea son los temas lentos?

En el entierro de las víctimas este domingo en Cracovia tocarán los Filarmónicos de Berlín. Ojalá escuchemos algo más que el Requiem de Mozart.

Componiendo música con estructuras 3D

Sonic Wire Sculptor es una aplicación de composición musical creada en el 2003 por el artista digital Amit Pitaru. En su día fue presentada en numerosos centros de arte internacionales y posteriormente ofrecida gratuitamente a través de ejecutables para PC y Mac. Podríamos definirla como un programa de modelado 3D alámbrico con el que obtenemos unos pictogramas musicales que podemos escuchar y manipular a nuestro antojo.

Siete años después nos llega una versión adaptada para iPhone OS que aprovecha las ventajas de las pantallas táctiles, y que además del teléfono Apple, podrá ser usada cómodamente desde su primo Zumosol, el afamado iPad. Para ello su autor ha contado con la colaboración de Zach Gage, responsable de otras interesantes aplicaciones para iPhone como por ejemplo synthPond.

Sonic Wire Sculptor ha sido recodificado con ofxIPhone y librerías de código abierto openFrameworks. Está disponible en la App Store por 2,99€. Vía Boing Boing.

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10 discos seleccionados por
Carlos Casas

Carlos  Casas

Cineasta y artista visual barcelonés. Ha colaborado con músicos como Phill Niblock, Z'EV, Nico Vascellari, Prurient, Sebastian Escofet o Nastro Mortal.

www.carloscasas.net/

  • Ariel Guzik: Resonador espectral armonico (FONCA, 2004)
  • Chris Watson: Stepping into the Dark (Touch, 1996)
  • Disinformation: R&D (Ash International, 1996)
  • Francisco López: Azoic Zone (Geometrik,1993)
  • Kevin Drumm: Sheer Hellish Miasma (Mego, 2002)
  • Muslimgauze: Veiled sisters (Soleilmoon, 1993)
  • Our Glassie Azoth: Our Glassie Azoth (Plate lunch, 1997)
  • Phill Niblock: The Movement Of People Working (Extreme DVD, 2006)
  • Sebastian Escofet: Meditaciones (Asterisco, 2001)
  • Sonic Youth: Evol (SST, 1986)
  • Zoviet France: Loh Land (Staalplat, 1986)

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